Cocktailrezepte, Spirituosen und lokale Bars

Diese neue Kunstausstellung ermöglicht es Ihnen, die Gemälde zu probieren

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Diese Jungs werden Kunst mit allen fünf Sinnen schaffen, aber was ist, wenn das Gemälde mehr Salz braucht?

In erster Linie erleben wir Kunst visuell. Die gelegentliche Ausstellung moderner Kunst ermöglicht es uns, verschiedene Installationen zu hören und zu berühren, aber was wäre, wenn wir Kunst mit allen fünf Sinnen einschließlich des Geschmacks erleben könnten? Tate Britain, einem Kunstmuseum in London, das eine neue Ausstellung namens Tate Sensorium, Eröffnung im Herbst dieses Jahres. Sie können die Exponate sehen, hören, berühren, riechen und sogar schmecken.

Die genaue Art der Exponate wird unter Verschluss gehalten, aber wenn Sie sich Menschen vorstellen, die Stillleben lecken und mit dem Geschmack von Äpfeln und Bananen davonkommen, bezweifeln wir (leider) dies. Stattdessen, nach Quarz, wird das Museum neue interaktive Technologien verwenden, um zu messen, wie sich unsere Reaktionen auf Kunst verändern, wenn unsere verschiedenen Sinne aktiviert werden.

„Es ist alles ein wenig experimentell, aber deshalb sind die Wissenschaftler auch sehr daran interessiert, mitzumachen, weil wir tatsächlich viele Messungen durchführen werden, wie die Leute auf alles reagieren“, Tom Pursey von Flying Object, der Kreativagentur hinter dem ausstellen, sagte Quartz. „Und aus künstlerischer Sicht… wenn wir Ihre visuelle Erfahrung mit diesen anderen vier Sinnen sinnvoll ergänzen können, können wir vielleicht Ihre Einstellung zur Kunst verändern.“

Die Ausstellung arbeitet mit neuen Studien zusammen, die darauf hindeuten, dass keiner unserer Sinne isoliert arbeitet. Auch Restaurants nehmen diese Forschung zur Kenntnis: Heston Blumenthals Die fette Ente, zum Beispiel, serviert eines seiner Gerichte mit einem iPod um das Erlebnis zu verbessern.


Gemälde des Künstlers Mitchell Johnson werden in der Pamela Walsh Gallery ausgestellt

In dem, was der in Menlo Park lebende Künstler Mitchell Johnson als “große Ausstellung” bezeichnet, präsentiert die Pamela Walsh Gallery in Palo Alto Farbkontinuum: Ausgewählte Werke 1988-2021 vom 15. Mai bis 26. Juni. Die Eröffnung findet am Samstag, 15. Mai, von 16:00 bis 18:00 Uhr statt. Die Galerie befindet sich in der Ramona-Str. 540.

“Es gibt viele frühere kleinere Gemälde, die den Kontext bilden, wie ich zu den großen Gemälden gekommen bin” Mitchell erklärt. “Einige sind aus privaten Sammlungen entliehen. Manche gehen in Museen. Und einige stehen zum Verkauf.”

Mitchells prägende Jahre als Maler wurden bei Parsons geprägt, wo er 1990 seinen MFA erhielt. Zu dieser Zeit war Parsons noch voller ehemaliger Schüler von Hans Hofmann: Paul Resika, Larry Rivers, Jane Freilicher, Leland Bell, Neil Blaine und Robert DeNiro, Sr. New York war ein fruchtbarer Boden für einen jungen Maler, und Mitchell lernte von all diesen Künstlern.

Zwischen Parsons, den NY-Museen und kleinen Jobs für Frank Stella und Sol LeWitt begann Mitchell, seine künstlerische Praxis zu entwickeln und seine Stimme als Maler zu finden. Sein Frühwerk reicht von rein abstrakten Kompositionen und Figuren bis hin zu gegenständlichen Landschaften mit europäischen Traditionen.

Im Herbst 1990 änderte sich Mitchells Leben dramatisch, als ihm eine Stelle als Studioassistent von Sam Francis in Palo Alto angeboten wurde. Er verließ New York für die Westküste und entdeckte das verführerische Licht Kaliforniens. Der Tapetenwechsel war in seiner Arbeit sofort spürbar. In den 90er Jahren wurde Mitchell bekannt für expressionistische, malerische Landschaften Kaliforniens und bukolische Szenen Europas.

In den frühen 2000er Jahren durchlief Mitchells Werk eine weitere deutliche Veränderung, als seine Kompositionen wurden
mehr destilliert und abstrahiert. Er betont immer wieder den Wendepunkt, als er 2005 eine Josef Albers-Ausstellung im Museum Giorgio Morandi in Bologna besuchte, die Konzepte kristallisierte, mit denen er bereits in seiner eigenen Arbeit experimentierte.

Brenda Danilowitz, die Chefkuratorin der Albers Foundation, fasste es am besten zusammen: „[Mitchell] erkannte, dass etwas Bemerkenswertes geschah, als sich diese beiden ungewöhnlichen Kameraden in der Kunst gegenüberstanden. Das Ergebnis schwingt in Johnsons Werk der letzten zwei Jahrzehnte mit: Präzise und akribisch arrangierte Farbe und Form spielen auf verblüffende und strahlende Weise gegeneinander.“ Als Künstler, der bereits von den Möglichkeiten von Farbe und Form begeistert war, fand er nachhaltige Inspiration in der Gegenüberstellung dieser Künstler, die beides beherrschten.

Er begann, große, geometrische Formen und flache Farbflächen in seine Stadtbilder von New York und San Francisco und später in seine Strandlandschaften in Cape Cod einzumischen. Mit vertrauten Ansichten als Gerüst untersuchte er das Wechselspiel zwischen dem Kontext der Farbe – Vielfalt und das Verhältnis eines Farbtons zum anderen – und dem Kontext der Form.

Heute arbeitet er in einem großen, lichtdurchfluteten Atelier, das es ihm ermöglicht, seine Auseinandersetzung mit Farben bei natürlichem Licht zu vertiefen und auf großformatigen Leinwänden zu arbeiten. Seine neuesten Gemälde sind helle, kühne, gegenständliche Bilder von Cape Cod, New York, Kalifornien, Europa und farbenfrohe, geometrische Abstraktionen.

“Ab 345 Stockton,” 2021 20吘 Zoll Öl/Leinwand. Gemalt im Winter 2021. Bild mit freundlicher Genehmigung von Pamela Walsh Gallery Foto von Mitchell Johnson mit freundlicher Genehmigung des Künstlers


Kunst (Neue Horizonte)

Kunstwerke sind Gemälde und Skulpturen, die bei Jolly Redd's Treasure Trawler gekauft und an das Museum gespendet werden können, sofern sie nicht gefälscht sind. Die Spende des ersten Stücks an das Museum ermöglicht Blathers, das Museum zu erweitern, was einen Tag Bauzeit erfordert.

In Neue Horizonte, sehen die echten und gefälschten Stücke unterschiedlich aus, sodass der Spieler sie vor dem Kauf identifizieren kann. Es gibt 14 Stück, die immer echt sind, aber die meisten haben eine gefälschte Version.

Gelegentlich schicken männliche Dorfbewohner einem Bewohner ein Kunstwerk. Die Dorfbewohner von Jock und Lazy können jedes Kunstwerk senden, das entweder echt oder gefälscht sein kann. Verrückte Dorfbewohner können Skulpturen schicken, die entweder echt oder gefälscht sein können. Selbstgefällige Dorfbewohner senden dem Spieler nur gefälschte Stücke. Ώ] Weibliche Dorfbewohner, unabhängig von ihrer Persönlichkeit, senden dem Spieler keine Kunst.

Gefälschte Kunst kann nicht bei Nook’s Cranny verkauft werden und muss entweder einem Dorfbewohner gegeben oder in einen Mülleimer geworfen werden, um sie loszuwerden.

Der Schatztrawler von Jolly Redd hat vier Räume für Kunst, von denen jeder verschiedene Arten von Kunst ausstellen kann. Der hintere linke Schlitz kann jedes Gemälde aufnehmen, der vordere linke Schlitz kann kleine Gemälde aufnehmen, nur der hintere mittlere Schlitz kann kleine Gemälde oder kleine Skulpturen aufnehmen und der hintere rechte Schlitz kann jedes Kunstwerk aufnehmen. Da dies der einzige Slot ist, der große Skulpturen enthalten kann, sind sie deutlich seltener als andere Kunstwerke.

Bei jedem Besuch von Redd besteht eine Chance von 20%, dass ein Kunstwerk, das nicht an das Museum des Spielers gespendet wurde, zum Spawnen gezwungen wird.


Diese neue Kunstausstellung ermöglicht es Ihnen, die Gemälde zu probieren - Rezepte

Einige Besucher des Crocker Art Museum in Sacramento können sich angesichts der köstlichen, verlockenden Reihen von Tellerkuchen einfach nicht helfen. Man hat Finger gesehen, die über das pastose Baiser streichen, so dass jetzt eine nicht wahrnehmbare Plexiglasschicht das ikonische Gemälde von 1961 schützt Torten, Torten, Torten von dem renommierten und beliebten Künstler Wayne Thiebaud, der in der Nähe lebt.

Das Gemälde ist eines von 100 Thiebaud-Werken, die vom Crocker in einer Ausstellung zum 100. Geburtstag von Thiebaud Anfang dieses Monats kuratiert wurden. Wenn man das Gemälde persönlich sieht, wird die Glasur zu einem “Objektreim” für das Echte Thiebaud peitscht die Ölfarbe buchstäblich wie Zuckerguss, bevor er sie aufträgt. "Sie möchten die Torten anfassen", sagt Scott Shields, stellvertretender Direktor und Chefkurator des Museums. “Sie sind taktil und sehen lecker aus.”

Die Pasteten sind repräsentativ für Thiebauds Oeuvre im Laufe seines jahrzehntelangen Schaffens, er hat alle Arten von Desserts gemalt, aber auch Landschaften, Straßenansichten, Porträts und Clowns. Er ist bekannt für seine nostalgischen, ernsthaften Darstellungen von Alltagsgegenständen, die oft mit trockenem Witz wiedergegeben werden. Seine Arbeiten befinden sich in den Sammlungen des Smithsonian, des MOMA, des Whitney, des SF MOMA und des Los Angeles County Museum of Art und anderer. “Trotz seines kommerziellen Erfolgs verschiebt Thiebaud immer wieder die Grenzen,”, sagt Virginia Mecklenburg, leitende Kuratorin für Kunst des 20. Jahrhunderts am Smithsonian American Art Museum.

/>Wayne Thiebaud, Wassermelone und Messer, 1989. Pastell auf Papier. (Crocker Art Museum, Geschenk der Familie des Künstlers, 1995.9.30. © 2020 Wayne Thiebaud / Lizenziert von VAGA at Artists Rights Society (ARS), NY) Wayne Thiebaud, Fliegen, 1993. Farblithographie handgearbeitet mit Pastell. (Crocker Art Museum, Schenkung der Familie des Künstlers, 1995.9.38. © 2020 Wayne Thiebaud / Licensed by VAGA at Artists Rights Society (ARS), NY) />Wayne Thiebaud, Boston-Cremes, 1962. Öl auf Leinwand. (Crocker Art Museum Purchase, 1964.22. © 2020 Wayne Thiebaud / Lizenziert von VAGA bei Artists Rights Society (ARS), NY)

Letzte Woche war der Crocker wegen der Einschränkungen der öffentlichen Gesundheit aufgrund der Covid-19-Pandemie auf unbestimmte Zeit geschlossen. Die ganze Köstlichkeit von Thiebaud wartet süß an den Wänden. Es ist bedauerlich, denn genauso wie das Betreten einer Bäckerei, um das berauschende Aroma von Zucker und warmem Brot einzuatmen, den Vorgang des Essens verbessert, bietet Thiebauds Baiser vérité persönlich ein Erlebnis, das nicht reproduziert werden kann ein zweidimensionaler Druck. Inzwischen ermöglicht der Crocker jedoch den Online-Besuchern, jedes Bild in der Ausstellung zu durchstöbern und bietet einen virtuellen Rundgang von Shields auf YouTube an.

Thiebaud selbst hat die Ausstellung wenige Tage vor Ausstellungseröffnung Mitte Oktober gesehen. “Er kam herein und segnete es,” sagt Shields. “Wir haben alle versprochen, sechs Meter von ihm entfernt zu bleiben.” Trotz seines Ruhms und der Millionen von Dollar, die seine Bilder bei Auktionen einbringen, präsentiert sich Thiebaud als bodenständig und zurückhaltend. In einem Interview sagt er von den über 500 Geburtstagskarten und Briefen, die ihm zugesandt wurden: „Wir haben unheimlich viele davon. Ich war so dankbar, dass die Leute das gemacht haben. Ich habe nie das Gefühl, dass ich es verdient habe.”

Und wie hat er seinen hundertjährigen Geburtstag verbracht? “Ich blieb in meinem Pyjama und meinem Bademantel und tat nichts, außer nette Anrufe von Leuten zu bekommen.”

Thiebaud bleibt mit 100 Jahren aktiv und spielt mehrmals in der Woche Tennis. “Es ist ziemlich langsames Tennis, aber es macht uns Spaß,”, sagt er. “Wir steigen mit vielen anderen alten Burschen aus und spielen Doppel.” Er fährt tagsüber immer noch und hat gerade seinen Führerschein für ein weiteres Jahr verlängert. Auf der Straße sieht er Autos mit dem von ihm entworfenen speziellen Nummernschild, das den Sonnenuntergang über dem Pazifik mit einer Reihe von Palmen am Ufer zeigt. Der Verkauf seit 1993 hat dem California Arts Council 25 Millionen US-Dollar eingebracht. Thiebaud lacht, als er gefragt wird, ob sein Auto das Kennzeichen trägt. “Nein,” er sagt. “Es wäre mir peinlich.”

Ein Nummernschild mit Thiebauds Artwork darauf. (Mit freundlicher Genehmigung des California Arts Council)

Vor allem malt er fast täglich. “Die meisten ernsthaften Maler malen die ganze Zeit. Man muss so viel malen, um so wenig zu bekommen,&8221, sagt er.

“Malerei ist eine sehr, sehr schwierige Sache, und wir haben das Glück, in einer Gemeinschaft von Malern im Laufe der Geschichte zu sein. Natürlich sind sie Magier und Wundertäter.”

1962 startete der New Yorker Galerist Allan Stone die Karriere von Thiebaud mit einer Einzelausstellung, und während Thiebaud oft als Teil der Pop-Art-Bewegung der 󈨀er angesehen wird, datiert seine Dessertarbeit davor. “Wayne ist in erster Linie Maler, aber obwohl er es ablehnt, mit der Pop-Art-Bewegung in Verbindung gebracht zu werden, war er auch im Erdgeschoss bei der Gründung,”, sagt Mecklenburg. “Er war in der ersten Pop-Art-Ausstellung, und es war seine Arbeit, die die Bewegung in vielerlei Hinsicht prägte, weil er die gewöhnlichen Gegenstände des täglichen Lebens zelebrierte.”

Thiebaud 1987 in seinem Studio in Sacramento. (Matt Bult) Sergeant Wayne Thiebaud malt 1944 auf einem B-29-Flugzeug in Kalifornien (Wayne Thiebaud-Papiere, 1944-2001. Archives of American Art, Smithsonian Institution) Thiebaud-Skizzen in der Sammlung des Archives of American Art. (Papiere von Wayne Thiebaud, 1944-2001. Archives of American Art, Smithsonian Institution)

Thiebaud lehnt es ab, als Pop-Künstler eingestuft zu werden, weil er ein Formalist ist, erklärt Shields, ein Kunststil, der von Geometrie und Form besessen ist. Zum Beispiel funktionieren seine berühmten Kaugummiautomaten als Kreise innerhalb eines größeren, transparenten Kreises. Und während Andy Warhol und andere ihre Arbeiten in Massenproduktion produzierten, arbeitete Thiebaud an jedem Stück, wobei seine Hand in jedem sichtbar war. Auch der Raum zwischen den Objekten wird beachtet: “Der leere Raum ist so wichtig und lebendig wie sein Thema,”, sagt Shields, “und manchmal sogar noch mehr.”

Nachdem Thiebaud seine süßen Zähne bei Desserts zerschnitten hatte, ging er in den 󈨊er Jahren zu San Francisco Street Views, beeinflusst von ähnlichen Straßenbildern des Künstlerfreunds Richard Diebenkorn. Diese Stücke vermitteln eine intensive Vertikalität mit steilen Straßen, die sich wie Schriftrollen entfalten. Zum Beispiel die Perspektive in Straße und Schatten 1982-83, 1996, sagt Shields, “ist unmöglich, und doch fühlt es sich irgendwie möglich an.”

Andere Arbeiten in der Crocker-Ausstellung umfassen Porträts, die wie Stillleben wirken, die Menschen und nicht Früchte zeigen, und Landschaften des Sacramento-Deltas, die mit Blickwinkeln spielen, wie zum Beispiel Bäume von der Seite und von oben in derselben Arbeit.

Wayne Thiebaud, Straße und Schatten, 1982�/1996. Öl auf Leinen. (Crocker Art Museum, Geschenk der Familie des Künstlers, 1996.3. © 2020 Wayne Thiebaud / Lizenziert von VAGA at Artists Rights Society (ARS), NY) Wayne Thiebaud, Parkplatz, 1995. Farbradierung handgearbeitet mit Aquarell, Gouache, Buntstift, Graphit und Pastell. (Crocker Art Museum, Schenkung der Familie des Künstlers, 1995.9.50. © 2020 Wayne Thiebaud / Licensed by VAGA at Artists Rights Society (ARS), NY) />Wayne Thiebaud, Talbauernhof, 1993. Weichgrundige Farbradierung und Aquatinta handgearbeitet mit Farbstift. (Crocker Art Museum, Geschenk der Familie des Künstlers, 1995.9.51. © 2020 Wayne Thiebaud / Lizenziert von VAGA at Artists Rights Society (ARS), NY)

Sein Talent zeigte sich schon als Kind, das in Südkalifornien aufwuchs, und im Alter von 16 Jahren stellte Disney ihn als Karikaturisten ein. Du hast deine Zeichnungen genommen und wenn sie dachten, dass du einigermaßen gut bist, wirst du ein Zwischenmensch sein,&8221, ein Job, bei dem das gleiche Bild immer wieder über ein Lightboard gezogen und nur die Gliedmaßen oder das Gesicht verändert wurden Ausdrücke. Er wurde entlassen, weil er an einem Arbeitsstreik teilgenommen hatte, und sinniert 84 Jahre später darüber, dass “Ich liebe die Gewerkschaftsbewegung, die so viel für Amerika getan hat. Ich bin im Laufe der Jahre ungefähr vier oder fünf Streikposten gegangen.”

Er arbeitete auch als Werbegrafiker und Schildermaler für Unternehmen wie Sears Roebuck und Rexall Drugs. “Jemand hat ihm beigebracht, selbstbewusst eine Linie zu ziehen,”, sagt Shields und bezieht sich auf die horizontalen Lineale, die Thiebauds Arbeit oft halbieren. 1942 trat er in die Air Force ein und zeichnete einen Comic-Strip für den Newsletter seiner Basis, entwarf Plakate, produzierte Filme zur Stärkung der Moral und vieles mehr. Von 1951 bis 1976 lehrte er Malerei am Sacramento City College und an der University of California, Davis, die seiner Meinung nach in seinem Leben „enorm wichtig“ war. Einige Schüler, die er betreute, erlangten ihren eigenen Ruhm, wie Mel Ramos und Fritz Scholder. “Ich wollte Werbegrafiker und Illustrator werden, also habe ich das verfolgt, bis ich mich für das interessierte, was man bildende Kunst und Lehre nennt, also verbrachte ich den größten Teil meines Lebens damit,”, sagt Thiebaud.

/>Wayne Thiebaud, Clown mit roten Haaren, 2015. Öl an Bord, 12 1/8 x 9 in. Privatsammlung. (© 2020 Wayne Thiebaud / Lizenziert von VAGA bei der Artist’s Rights Society (ARS), NY.)

Ab 2014 wandte sich Thiebauds Aufmerksamkeit den Clowns zu und kreiste zurück zu Kindheitserinnerungen, an die er sich noch lebhaft erinnert. “Als ich noch ein Kind war, ungefähr 13, 14 Jahre alt, schauten wir dem Zirkus im Zug zu, wie er in die Stadt kam, und wenn wir Glück hatten, halfen sie uns, Sägemehl oder Wasser für die Elefanten zu tragen,& #8221 erinnert er sich. “Wir haben die Clowns beobachtet, die tolle Leute waren. Sie waren nicht nur Akrobaten, Jongleure und Tumbler, sie waren auch dafür verantwortlich, das Zelt aufzubauen, also waren sie sehr stark und sehr beeindruckend, und das ist mir wohl für immer geblieben.”

“Clowns sind unglaublich komplexe Dinge,” bemerkt Mecklenburg. “Bozo bringt dich zum Lachen, wenn du ein Kind bist, aber sie sind auch grundsätzlich Darsteller von Identität und Persönlichkeit. Wir haben keine Ahnung, wer hinter all dem künstlich aufgetragenen Make-up und der Knollennase steckt.” Zum Beispiel in Thiebauds Gemälde 2017 Clown mit Koffer, verkleidet ein Mann seine Clownidentität in Straßenkleidung, steht mit düsterer Ernsthaftigkeit, während sein Koffer in den größtmöglichen Buchstaben das Wort “Bozo” sendet

Viele seiner Gemälde enthalten winzige, oft komische Elemente, die eine genaue Prüfung belohnen. “Man möchte sich Gemälde genau ansehen, damit man wirklich versteht, worum es geht,”, sagt Thiebaud. “Leider haben die Leute aufgrund der Museumsstruktur usw Film, wie ein Kinofilm.”

Vielleicht bastelt Thiebaud deshalb weiter an Stücken. In Betty Jean Thiebaud und Buch, Thiebauds zweite Frau stützt sich auf einen Ellbogen, scheinbar gelangweilt von dem Kunstbuch vor ihr. Aber Shields sagt, das Buch war ursprünglich nicht da. “Thiebaud ändert Gemälde, von denen einige bis zu fünf verschiedene Daten haben können. Er optimiert sie über einen Zeitraum von sogar einem Jahrzehnt.”

Es gibt vier Termine am Gobelin-Rock die Betty Jean in einem aufwendig gemusterten Rock zeigt: 1976, 󈨖, 󈨗, 2003—und Shields denkt sogar an 2020. Betty Jean, eine Filmemacherin und Lehrerin, die in vielen Porträts von Thiebaud zu sehen war, starb 2015.

/>Wayne Thiebaud, Betty Jean Thiebaud und Buch, 1965�. Öl auf Leinwand. (Crocker Art Museum, Geschenk von Mr. und Mrs. Wayne Thiebaud, 21. 1969. © 2020 Wayne Thiebaud / Lizenziert von VAGA at Artists Rights Society (ARS), NY)

Als ich Thiebaud frage, ob er etwas anders machen würde, antwortet er: “Wahrscheinlich viele Dinge. Die ganze Idee besteht darin, sich selbst zu testen, sich selbst zu pushen, zu riskieren, sogar schlechte Bilder zu machen oder Bilder, von denen Sie glauben, dass sie niemandem jemals gefallen wird. Es ist eine persönliche, wundervolle Sache, und ich wünschte, mehr Leute würden es tun.”

Was die Ausstellung betrifft, die 100 Stücke versammelt, um das 100-jährige Bestehen von Thiebaud zu feiern, ist ihre Wirkung unbestreitbar. “Eine Person kam herein und nannte die Gemälde ‘lebensbejahend,’”, sagte Shields. “Ich dachte nur, das wäre eine nette Art, über sie nachzudenken.”

"Wayne Thiebaud 100: Paintings, Prints and Drawings" läuft bis zum 3. Januar 2021 im Crocker, danach geht es nach Toledo, Ohio Memphis, Tennessee San Antonio, Texas und Chadds Ford, Pennsylvania.


Bitte berühren Sie das Kunstwerk: Neue Tate-Ausstellung stimuliert alle fünf Sinne

David Bombergs „In the Hold“ um 1913-4

Kelly Krähe

Wie ist es, ein Francis Bacon-Gemälde zu probieren? Hinweis: Nichts wie Speck.

Um ein ruheloses, technisch versiertes Publikum anzusprechen, wenden Kunstmuseen zunehmend unkonventionelle Methoden an, um Kunstliebhaber an ihren Sammlungen zu beteiligen. Das Solomon R. Guggenheim Museum in New York hat Crowdsourcing-Technologie eingesetzt, um eine Show mit YouTube-Videos zu organisieren. Das Brooklyn Museum und Performa, ein New Yorker Festival für Performance-Kunst, haben die Food-Künstlerin Jennifer Rubell beauftragt, essbare Kunstwerke zu schaffen – darunter einen zellenartigen Raum, dessen Wände sie mit rosa Zuckerwatte polsterte. Derzeit spielt die National Gallery of Art in London Musik, die von Klangkünstlern komponiert wurde, die von bestimmten Gemälden in ihrer Sammlung inspiriert wurden.

Am 26. August führt die Tate Britain in London diese Experimente mit „Tate Sensorium“ noch weiter, einer Ausstellung, die ein Quartett bedeutender britischer Gemälde von Bacon, Richard Hamilton, David Bomberg und John Latham mit Geräten kombiniert, die alle fünf Sinne anregen mit Parfümpuffern, versteckten Lautsprechern, Kaubonbons auf Schokoladenbasis und Ultraschallvibrationen.

„Die Leute stellen sich Sammlungen oft als Reihen von wirklich alten Gemälden vor“, sagte Tony Guillan, Multimedia-Produzent von Tate, „aber die Technologie ermöglicht es uns, spielerischer zu sein.“

Besucher, die die erste Galerie betreten, in der Richard Hamiltons Collage von 1964, "Interior II", ausgestellt ist, werden vom Museumspersonal ermutigt, hinzuschauen - aber auch daran zu schnuppern. Hamiltons Collage zeigt eine stilvolle Frau, die in einem Haus mit Holzböden und einem Fernseher steht. Große Teile der Leinwand bleiben jedoch unbemalt, und der Fernsehbildschirm zeigt die Ermordung Kennedys. Um Hamiltons unvollendete Häuslichkeit zu unterstreichen, hat das Museum Duftzerstäuber im Raum versteckt, die Gerüche ausstrahlen, die an das Vintage-Haarspray der Frau, Reinigungsprodukte und den schwachen Hauch von Kunststudiokleber erinnern.


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Mitchell und Conley führen Jazz zum Sieg in Spiel 3 über Memphis, 121-111

MEMPHIS (ABC4 Sports) - Donovan Mitchell sagt, er arbeite sich zurück zu seinem All-Star-Niveau.

Für den Rest des Utah Jazz sieht er genauso aus wie er selbst.

Real Salt Lake begnügt sich mit einem 1:1-Unentschieden gegen Minnesota United

SANDY, Utah (ABC4 Sports) – Während sich das Unentschieden gegen den FC Dallas letzte Woche eher wie ein Sieg anfühlte, musste sich das Unentschieden am Samstagabend gegen Minnesota United eher wie eine Niederlage anfühlen.

Minnesota erzielte das entscheidende Tor, als der Ball über die Endlinie rieselte, nachdem Torhüter Zac MacMath den Ball ahnungslos von Niko Hansen aus dem Rücken geschlagen hatte, da RSL sich zu Hause mit einem 1:1-Unentschieden mit einem Punkt zufrieden geben musste.

Verfolgungsjagd und Fußverfolgung führen zur Festnahme eines Flüchtigen im Bezirk Utah

AMERICAN FORK, Utah (ABC4) – Ein Anruf wegen eines unberechenbaren Fahrers in American Fork führte am Samstag zu zwei Verfolgungsjagden, Beamten, die ihre Waffen abfeuerten, und der Festnahme eines Flüchtigen.

Nach Angaben des American Fork Police Department wurden Beamte in das Gebiet 500 East 300 North in American Fork entsandt, weil ein gestohlenes Fahrzeug mit erheblichen Schäden auf der gesamten Straße und in den Gegenverkehr gefahren war.


Moderne Technik und die Kunst, Gemälde zu konservieren

Dies ist der zweite in einer Reihe von Artikeln über die Kunst der Konservierung von Gemälden. Lesen Sie hier den ersten.

Er ist ein Lumpensammler, ein Mann, der seinen Lebensunterhalt damit verdiente, in den 1860er Jahren in den Straßen von Paris nach Lumpen zu stöbern, um sie an Papierfabriken zu verkaufen. Sein 6 mal 4 Fuß großes Bild wurde von Édouard Manet gemalt und ist heute ein beliebter Teil der Sammlung des Norton Simon Museums in Pasadena, Kalifornien. Aber Le Chiffonier, oder Der Ragpicker, hat eine moderne Kunstkonservierungsgeschichte zu erzählen, die die Wissenschaft und Technologie von Chemie, Ingenieurwesen, Materialien, Physik und Licht umfasst – sowie Tausende von Wattestäbchen – die das Gemälde in ein neues Licht rücken ließen.

Das große Problem war eine unangemessene Lackierung. Zu der Zeit malte Manet Der Ragpicker, Es war Brauch, Gemälde mit einem Naturharzlack zu überziehen, um ihm ein glänzendes Finish zu verleihen. Auch der 500-Jährige Mona Lisa ließ Firnisse über da Vincis Farbe auftragen. Aber irgendwo im Leben von Der Ragpicker, wurde ein dicker synthetischer Firnis oder mehrere davon aufgetragen, um das Gemälde aufzuhellen und attraktiver zu machen.

Der Ragpicker vor der Behandlung. © Das J.-Paul-Getty-Museum.

Aber Firnisse verfärben sich mit zunehmendem Alter und im Laufe der Jahre hatte das Gemälde einen Nebel angenommen, der Manets Maltechnik zusammen mit den Farben und Details verdeckte. Im Jahr 2017 arbeitete der Norton Simon mit dem J. Paul Getty Museum in Los Angeles zusammen, um zu erhalten Der Ragpicker im Rahmen eines Projekts zur Auffrischung von drei Manet-Gemälden. Der Ragpicker war in der schlimmsten Verfassung. Es dauerte sechs Monate eingehender Prüfung mit einer Vielzahl von Technologien, um die Probleme herauszufinden und einen geeigneten Prozess zur Konservierung des Gemäldes zu finden, gefolgt von weiteren sechs Monaten für die Konservierungsarbeiten. Außerdem wurden in dem Gemälde versteckte Geheimnisse gefunden.

Devi Ormond, Associate Conservator of Painting für das Getty Museum, war Teil des Teams des Norton Simon und Getty Museums, das sich um die Konservierung des in Schwierigkeiten geratenen Gemäldes kümmerte. Als Siebenjährige begann sie sich für Oberflächen von Gemälden zu interessieren, als ein Wachmann im Louvre ihr sagte, sie solle ein Van-Gogh-Gemälde nicht berühren. Als Teenager faszinierte sie ein Dokumentarfilm über die Restaurierung der Sixtinischen Kapelle und dachte, „was für eine unglaubliche Arbeit es wäre, so eng mit Oberflächen zu arbeiten – und dafür bezahlt zu werden“.

Das erste technische Werkzeug, das im Norton Simon verwendet wurde, war eine ultraviolette (UV) Schwarzlicht-Blitzlampe, die denen ähnelt, die an Tatorten verwendet werden, um nach Hinweisen wie Blutspritzern zu suchen. Es wurde kein Blut gefunden, aber was das Team sah, deutete darauf hin, dass der Decklack sehr dick war und potenzielle Probleme mit dem Originallack verursachte. Das war genug Beweis zum Senden Der Ragpicker an die Getty’s Paintings Conservation Department für eine professionelle technische Untersuchung mit verschiedenen Beleuchtungsarten und Tests.

/>Der Farbmustertest zeigt das Einmischen des Lackes in den Originallack – die schwarzen Punkte – und den Schichtaufbau. Es wird im UV-Licht aufgenommen und hat eine Vergrößerung von x100. © Das J.-Paul-Getty-Museum.

„Wie man sagt, ein Bild sagt mehr als tausend Worte“, sagte Ormond. „Jemand in Frankreich, der sich dieses Gemälde anschaut und dann das UV-Bild betrachtet, wird in der Lage sein, die Themen ohne Sprachbarriere zu interpretieren. Unter UV-Licht fluoreszieren beispielsweise unterschiedliche Lacke unterschiedlich. Naturlacke leuchten grün und synthetische Lacke leuchten blau. Wir konnten sehen, dass die blaue Fluoreszenz des synthetischen Lacks ein Problem war.“ Das Gemälde wurde dann im Infrarotlicht untersucht, was einige der alten Schäden und Retuschen früherer Restauratoren zeigte.

Der nächste Test war eine Röntgenaufnahme, die half, das Gemälde und Manets Komposition zu verstehen, einschließlich der Dinge, die er verändert oder versteckt hat. So war beispielsweise das Stillleben am unteren Bildrand ursprünglich größer und Manet übermalte Ausschnitte mit graubrauner Farbe. Der Stab, den der Lumpenpicker hält, ist vertikal, aber das Röntgenbild zeigte, dass er ursprünglich in einem diagonaleren Winkel gemalt wurde. Außerdem gab es schwarze Flecken im Gesicht des Lumpensammlers, die auf dünnere Farbe hindeuteten. Dies ist laut Ormond typisch für Manet, da er oft Änderungen durch Abkratzen von getrockneter Farbe vornahm.

„All diese Techniken geben uns eine Vorstellung vom Zustand des Gemäldes, was bedeutet, dass Sie nicht blind werden, bevor Sie mit der Behandlung des Gemäldes beginnen, sondern über den Zustand des Werks informiert sind“, sagte Ormond.

Sie mussten jedoch tiefer gehen, um die Löslichkeit der Lacke zu verstehen und zu testen. Vom Rand des Gemäldes wurde eine fast mikroskopische Probe der Firnisse und Farben entnommen und mit 500-facher Auflösung untersucht. Dieses winzige Muster zeigte die Schichten der Firnisse und Farbe und deckte die Vermischung des Firnisses mit den ursprünglichen Farbpartikeln auf. Wenn sich Künstlermaterialien ändern, ändert sich auch ihre Natur. Obwohl sie ursprünglich eine weiche Textur haben, tun sie beim Trocknen von Lösungsmitteln in der Farbe unterschiedliche Geschwindigkeiten und Stufen und können mikroskopisch (oder mehr) reißen. Das ist eine Öffnung für Lacke, um tief in die Farbe einzudringen.

Der Ragpicker im Röntgenbild, der die Stab- und Stilllebenveränderungen zeigt. © Das J.-Paul-Getty-Museum.

„Es ist, als würde man einen Kuchen durchschneiden, wir sehen alle Schichten des Gemäldes“, sagte Ormond. „Wir sahen die blaue Blüte des Lacks und wie er in die Farbschichten eindringt und sahen die Partikel der Pigmente – kleine schwarze Punkte – die uns einen Hinweis darauf gaben, wie tief die Lacke in die Farbe eingedrungen sind.“

Aus den Tests wurde entschieden, dass das vollständige Entfernen des Lacks auch den ursprünglichen Lack und die Beschädigungen entfernt Der Ragpicker wegen der Farbe/Lack-Interaktion. Ziel war es, den Firnis ausreichend zu verdünnen, um die Pinselarbeit freizulegen, alte Beschädigungen auszufüllen und zu retuschieren.

Jetzt kommen moderne Lösungsmittel, die das Werkzeug zum Entfernen von Lacken sind, die Pinselstriche und Originalfarbe verfärben und verbergen. Ormond stellte eine Reihe von Lösungsmittelkombinationen her und führte Tests mit Wattestäbchen durch, um die Löslichkeit der Oberflächenbeschichtung festzustellen. Sie testete winzige Bereiche am Bildrand, aber auch an Hauptbereichen wegen der unterschiedlichen Löslichkeit von Lackfarben und deren Reaktion auf Lösungsmittel.

Ausschnitt aus dem oberen Teil des Gemäldes, aufgenommen im UV-Licht, zeigt den verdünnten Firnis in der oberen rechten Ecke. © Das J.-Paul-Getty-Museum.

„Es lohnt sich, den Hintergrund zu testen, die dunkleren Farben, die helleren Farben, das Blau, das Gelb, das Grün. . . Sie machen also winzige, winzige Tests, um einen guten Überblick zu erhalten“, sagte Ormond. „Sobald man das Lösungsmittel aufgebaut hat und etwas gefunden hat, das die Oberflächenbeschichtung entfernt, ohne die Lackschicht zu beschädigen, beginnt man mit der Reinigung mit kleinen Tupfern, taucht es in das Lösungsmittel und trägt es sehr vorsichtig auf die Oberfläche auf, bis es beginnt, den Lack zu entfernen.“

Auch die Wattestäbchen sind eine Wissenschaft. Das Tupfermaterial ist reine Watte und Restauratoren ziehen ein Stück von einem Tuff ab und drehen es um das Ende eines langen Holzstabes. Indem sie selbst Tupfer herstellen, kennen sie den Inhalt der Wolle und eliminieren mögliche Materialien wie Splitt oder winzige Holzstücke in der Baumwolle, die die Oberfläche zerkratzen könnten. Jeder Tupfer wird für etwa ½ Zoll des Gemäldes verwendet und hier kommt die Erfahrung des Restaurators zum Tragen.

„Die Erfahrung in der Reinigung ist enorm“, sagte Ormond. „Restauratoren müssen verstehen, wie viel Lack drin ist und wie leicht der Lack löslich ist. . . wie sich der Tupfer verhält, verstehen Sie mit der Hand das Oberflächengefühl, das sich beim Auftragen des Lösungsmittels ändert, bewerten Sie Ihren Tupfer, ob er den Lack schnell oder langsam entfernt, und beurteilen Sie sogar, ob er im Lack stecken bleibt.“

Ormond brauchte sechs Monate, um die erste Lackschicht mit Tausenden von Tupfern und Lupen zu entfernen, um die Details zu sehen. Da sie sich auf kleinste Details konzentrierte, musste sie oft einen Schritt zurücktreten und sich ansehen, was ihre Arbeit mit dem Gemälde anstellte. Für alle beteiligten wissenschaftlichen Der Ragpicker ist ein Gemälde, kein wissenschaftliches Objekt.

"Sie möchten den Zusammenhalt des Bildes haben, das ursprünglich vom Künstler gemalt wurde", sagte Ormond. “My mentor’s key advice was ‘do not ever forget what it is that you are working on. It’s a painting’. . . Even though you want to get a pristine surface, it’s not worth damaging any original paint to get that.”

The Ragpicker in ultra violet light. © The J. Paul Getty Museum.

It was a challenging process where Ormond worked closely with the Scientists at the Getty Conservation institute to fully understand what had happened to the painting. Along with carefully thinning the old varnish, she also had to work around or repair past conservation techniques that did not have the advantage of current technology.

Today’s modern technology was a literal lifesaver for The Ragpicker. Many paintings have suffered from past conservation attempts. Zum Beispiel die Mona Lisa had a spirits wash in 1809 that is now believed to have removed the top layer of paint, and over time the layers of varnish have given the painting a darker tone. Current conservation is involved around monitoring the painting’s environment to save La Joconde from any more damage.

But once finished, The Ragpicker took on a new life that honours Manet’s painting, his style and his original colours. It required today’s conservation technology and experts like Ormond and the team at the Getty and the Norton Simon to do the work that brings back as much light as possible to Manet’s ragpicker image.

See The Ragpicker at the Norton Simon Museum when it reopens mid-May.


Postponed due to Covid-19, Yoshitomo Nara’s I Forgot Their Names and Often Can’t Remember Their Faces but Remember Their Voices Well will debut at Dallas Contemporary on March 20. A leader of the Superflat movement, Nara traveled to Texas to install a monumental museum show — his first museum solo in the state — at the Design District museum. The exhibit will be on display until August 22.

(For more on the exhibit, see PaperCity‘s exclusive interview with Dallas Contemporary adjunct curator Pedro Alonzo.)

Explore 󈨔s fashion at Galleria Dallas’ newest art exhibit “She’s Got the Look: Fashion from the 󈨔s.” (Courtesy of Galleria Dallas)

'It's not about shock value': Russian artist skins, eats and performs sex acts on dead animals in the name of art

Petr Davydtchenko stands on a balcony overlooking the Umbrian countryside and deftly skins and dismembers a dead cat. He is in Italy for the opening of his solo exhibition Millennium Worm at the Palazzo Lucarini Contemporary in Trevi.

For the past three years, the Russian artist has been living exclusively off roadkill in an attempt to pursue a “semi-autonomous and non-governed way of life”.

Davydtchenko presents his gruesome art practice mainly through video installations. One film shows an owl lying on the side of a road unable to move, another features Davydtchenko picking up a dead rat off the ground and devouring it raw.

Animal hides are also on show in his exhibition, stretched over geometric sculptures or laid out on the floor. Alongside these is a stack of boxes, meant to represent the archive that Davydtchenko keeps at The Foundry in Maubourget, France—an artists’ residence run by the art organisation a/political, and where Dyavydtchenko has been living since 2016.

In his archive Davydtchenko preserves and stores animal parts in freezers, some of which he later thaws and eats. He also keeps a digital archive of the time, condition and GPS locations of his roadside findings, along with texts such as cooking recipes and preparation techniques. These recordings, he says, function as a diary which charts his transformation over the three years since he began living “parallel to modernity”.

"I just wanted to show that it was possible to exist alternatively, and to show that there are other options", Davydtchenko says. His work grew out of an interest in cryptocurrencies, which he saw as an alternative to mainstream economic systems.

Davydtchenko says that he does not live entirely “off-the-grid”, and uses modern technology to document his journey and importantly, relies on the destruction created by modern machinery to produce the roadkill that he feeds on.

Becky Haghpanah-Sherwin, the director of a/political, says the project was not necessarily created with the intention of being shown as an exhibition. "The Foundry", she says, “is a place of experimentation away from the art market that Petr used as a space to transition into a way of life. Nevertheless, it is often visited by people in the art world, who take interest in Petr’s work”.

Davydtchenko says his work is not performance art. “This is how I live, I eat cats where I live, now having been invited to Italy, I eat cats here. This is my way of existing.”

Not all the roadkill Davydtchenko finds is used to sustain his life, however. One six-minute video in the exhibition contains footage of the artist repeatedly inserting his penis into a dead fox’s mouth, in the corner of the frame is the Fox News logo.

The exhibition’s curator Maurizio Coccia says he is not "interested in shock value”, nor is Davydtchenko. The use of each animal has a symbolic meaning, he says, and Davytchenko’s actions in this video “relate to capitalism and media censorship, to the deepest and darkest roots of the human species”.

At the exhibition opening, Davydtchenko offered visitors a taste of a porcupine that he has slow-cooked, and whose hide and quills are displayed in one of the Palazzo Lucarini's rooms. He hopes his next project will be a pop-up restaurant serving roadkill to the public.

The greatest challenge of his practice is not the isolation of this “parallel world”—he prefers existing somewhat separated from society—but readjusting into the “big world” for events like this exhibition opening, Davydtchenko says.

Opening a restaurant will naturally mean inviting crowds of people back into his life, but Petr wants to stay hidden in the kitchen, focusing on his goal of achieving “three Michelin stars for cooking donkey penis”.


Umm, Prince Charles Is an Artist𠅊nd His Paintings Are Surprisingly Impressive

Considering ourselves (somewhat) experts of the royal family, we&rsquod like to believe we know all there is to know about the talents each family member possesses: Meghan Markle and her calligraphy skills, Kate Middleton as an amateur photographer, Queen Elizabeth is an accomplished equestrian. But it turns out that Prince Charles is full of surprises.

Not only does he play the cello, but we just learned that the Prince of Wales is also quite a skilled painter. According to a recent Clarance House Instagram Story, the 71-year-old royal is an &ldquoexperienced watercolorist.&rdquo This news doesn't come as a huge surprise, considering he is Patron of the Arts.

As it turns out, it was Charles's childhood &ldquosurrounded by art&rdquo that sparked his passion for painting. He draws inspiration from natural landscapes across the U.K., as well as from his travels abroad, often painting sceneries of places he has visited. His favorite thing to paint, however, is the surrounding areas of Queen Elizabeth&rsquos Balmoral estate.

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In fact, a handful of his pieces have even been put on display in the Drawings Gallery of Windsor Castle since his first exhibition in 1977.

Per Insider, he also made more than $2.5 million from the sales of copies of his watercolors from 1997 to 2016, making him one of the country's best-selling living artists. Of course, all of the profits are donated to The Prince of Wales's Charitable Fund.

To see some of Charles&rsquos most famous paintings (and a shot of the prince in action), visit here.


Schau das Video: Izložba Poveznice vremena i prostora Jasmina Pošković (Kann 2022).


Bemerkungen:

  1. Sike

    Es ist das amüsante Stück

  2. Bercilak

    Alles ist nicht so einfach wie es scheint

  3. Eberhard

    Ich denke, dass du nicht Recht hast. Schreiben Sie mir in PM, wir werden reden.

  4. Yehudi

    Die unterhaltsamen Informationen

  5. Charro

    Es gibt eine Seite zu dem Thema, die Sie interessiert.

  6. Sein

    Tut mir leid, dass ich momentan nicht an der Diskussion teilnehmen kann - es gibt keine Freizeit. Ich werde veröffentlicht - ich werde definitiv meine Meinung zu diesem Thema zum Ausdruck bringen.



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